Décadas de experiencia fueron a la chatarra a cambio de un formato de mínimos, prueba de que el ser humano no siempre avanza cuando aplica la tecnología a la resolución de un problema o a la satisfacción de una necesidad o de un capricho. Si el CD representaba "el principio del fin" (aunque quizá ese dudoso mérito se le deba al "Flexidisc") quizá el revivir del vinilo sea el principio de un nuevo principio.
David Wilson, de justa fama por ser fundador de Wilson Audio con sus famosos altavoces, falleció a finales mayo. ¿Por qué he deicidio comentarlo hoy? O mejor dicho ¿por qué me he resistido a comentarlo hasta hoy?
La realidad es que me disgusta profundamente la muerte de algunos genios a los que admiro, y por otro lado tampoco quiero convertir este blog en la página de necrológicas del mundo del audio analógico. Sinceramente creo que debería tener la inteligencia de escribir más sobre los personajes que constituyen este pequeño universo, no cuando fallecen sino cuando aún están creando y haciendo realidad sus sueños y con ellos los nuestros y más grande nuestra afición.
Pero hoy escribo sobre David Wilson porque ayer me encontré un artículo sobre él en la edición impresa de Hi-Fi Plus y me he dicho que este hombre merece también mi humilde homenaje, dado que sus grabaciones estuvieron entre las primeras experiencias mágicas que me conquistaron para esta afición.
La razón por la que Wilson corresponde de pleno derecho a este blog no es su mítica figura como diseñador de altavoces de referencia, lo que ya bastaría, sino por su origen como ingeniero de sonido y sus grabaciones míticas. Relacionado con ellas y envuelto en las brumas de la leyenda está el origen de sus primeros altavoces. Al parecer buscando un altavoz apropiado para evaluar sus grabaciones llegó a un diseño, el WAMM original, que gustó tanto como para vender dos docenas a 32.000 dólares por pareja (en la actualidad serían unos 88.000 dólares).
Su preocupación principal en el diseño de altavoces era la alineación temporal de los componentes de la señal de audio, por eso los distintos elementos de sus altavoces no están ni en el mismo plano ni en el mismo ángulo. Sus últimas WAMM, las Master Chronosonic, permitían el ajuste fino de sus elementos para conseguir perfeccionar esa característica en el entorno en que se instalasen, de un modo similar al diseño de las Focal Grande Utopia EM Evo.
David Wilson estaba licenciado en biología molecular y trabajó para Abbott, Pfizer y Cutter, pero lo dejó en 1974 para fundar Wilson Audio Specialities junto a su esposa Sheryl Lee. También colaboró como comentarista de equipos de audio con The Absolute Sound. Su pasión y su dedicación, su amabilidad y su sencillez hicieron que básicamente todo el mundo le apreciara, al menos si lo juzgamos por la reacción de muchos periodistas del mundo del audio.
Si alguien se interesa por sus grabaciones, algunas están disponibles en Acoustic Sounds hoy 12 de agosto de 2018. Curiosamente cuando Acosutic Sounds anunció la re-edición de alguna grabación de Wilson Audio como descarga, se me ocurrió preguntar si pensaban editar en formato físico (en mi caso en vinilo) y me respondieron que no. ¿Secretos de empresa? ¿Cambios de estrategia por la demanda del mercado?
Por si alguno quiere leer más, aquí algunos artículos a la muerte de David Wilson: - Hi-Fi Plus, DAVID A WILSON II (1944-2018)
En el ámbito de la reproducción analógico del sonido hay mucha creatividad, pero al mismo tiempo pocas ideas son completamente originales. Vamos a hablar de los los brazos tangenciales pivotados. Brazos que pivotan pero se han configurado de algún modo para que la cápsula permanezca tangencial al surco. Y hablamos de ellos porque investigando los platos de The Funk Firm he visto un brazo de este tipo y me ha inspirado a escribir la entrada.
Como sabemos, el corte de un disco se hace de modo tangencial, pero su lectura se hace en la mayor parte de los casos con brazos pivotados, lo que da lugar a un error de lectura angular. Para compensarlo se han desarrollado configuraciones de la geometría de las cápuslas (la más común la de Baerwald pero existen bastantes más como la Stevenson y la Loefgren B. Hablaremos de ellas en el futuro) que minimicen el error angular a lo largo de la duración del disco. Otros han tratado de paliarlo con brazos más largos (a mayor distancia al punto de giro menor error angular o dicho de otro modo, todo parece más recto, por eso la tierra nos parece plana), aunque a su vez tienen la desventaja de perder en rigidez o ganar en masa efectiva frente al mismo diseño de brazo de longitud más corta. Finalmente existen los brazos tangenciales, que pueden tener muchas ventajas, pero también complejidad. Además algunos dirían que muchos modelos son casi-tangenciales pues se desplazan lateralmente según tira de ellos la cápsula cuando ya hay un pequeño error angular.
Y aquí entra otra estrategia, los brazos tangenciales pivotados. Como hemos comentado, brazos que pivotan pero se han configurado de algún modo para que la cápsula permanezca tangencial al surco. Personalmente parece que añaden otra capa de complejidad y de falta de rigidez, pero por ello no dejan de ser interesantes.
La primera referencia que tenía era el brazo del Garrard Zero 100, de 1971, un plato con muy buenas especificaciones para su época. Además del brazo tangencial pivotado donde un brazo auxiliar va haciendo que la cápsula se alinee con el surco, el brazo disponía de anti-skating magnético, un sistema de motor con dos modos, para el arranque y para la reproducción, y el clásico sistema de arrastre por iddler wheel de Garrard. Justo debajo un esquema que he sacado del siguiente artículo A Problem in Applied Geometry.
Pero al documentarme encuentro una referencia previa del"Super 90", de la Burne Jones Company , que precedió en más de una década al Garrad Zero 100.
De la misma época aproximadamente era el invento de Robert Van Eps, compositor de bandas sonoras, arreglista, orquestador... y a lo largo de 35 años con la MGM, maestro de personajes como John Williams (Star Wars, Superman, casi cualquier cosa de Spielberg...) o Dominic Frontiere (Más allá del Límite) Registró una patente (US3232625A) en 1962 par su brazo de tocadiscos. Increíblemente parece que OTOMON Laboratory) aún es capaz de fabricar uno por encargo. Las dos primeras imágenes son de una versión anterior a que se reconociera la patente, las siguientes on de una versión más refinada y posterior a la concesión de la patente. Parece ser que se vendieron unidades hasta 1988 (Win Labs, del Dr. Sao Win compró los componentes y los derechos)
En tiempos recientes tenemos de nuevos brazos pivotados tangenciales. El enfoque es bien similar a los ejemplos anteriores o bien estrategias de pivotar la base donde se asienta el brazo al tiempo que se mueve el propio brazo sobre el disco.
La casa Thales (tan seguros de lo que hacen que el nombre del dominio es brazo de tocadiscos en alemán) toma su nombre de Tales de Mileto, el matemático y geómetra griego, cuyos teoremas inspiran los diseños de esta casa. Su gama de brazos usa un enfoque que se ha ido simplificando con el tiempo. Muy características son sus suspensiones cardánicas.
Al principio eran realmente complejos.
Para pasar a un enfoque similar al de Garrad, con un brazo principal y uno auxiliar en sus brazos modelo Easy.
Hasta llegar a dos brazos casi iguales en los Simplicity y Statement.
Y de aquí pasamos a los brazos de Vira High End, casa de EEUU que desconocía hasta ayer y que además fabrica cápsulas de aspecto muy interesante. Pareceque están claramente inspirados por los brazos de Van Eps.
Y a los brazos de JR Audio en Polonia. De nuevo un brazo principal y uno auxiliar. El modelo se llama Impossible, por si alguien duda que lo consideran un desafío de diseño.
El Impossible en vídeo
Por supuesto hay que reflejar el AK 1 de The Funk Firm, con un sistema de poleas. Sinceramente, no puede evocarnos más a la nave Enterprise de Star Trek. Aunque se ha visto por diversas ferias del sector, no parece que aún haya producto final.
Y nos vamos a Corea del Sur, donde nos encontramos con la oferta de Klaudio, los de las máquinas de limpiar discos por ultrasonidos. Son los modelos KD-ARM-MP10 y KD-ARM-MP12, de 10 y 12 pulgadas respectivamente. La pregunta que me hago es, una vez alcanzada la geometría deseada , ¿para qué quiere alguien un brazo más largo con sus correspondientes desventajas?
Aquí un vídeo para que podamos ver como se desplaza el brazo con aparentemente suaves movimientos pivotantes y tangenciales. El disco con un pivote sólo está ahí para la demostración, no es parte del brazo. Lo mismo sucede con el láser que mide la perpendicularidad de la cápsula. Los movimientos de brazo y base resultan bastante hipnóticos.
Y pasamos a los brazos cuya base se mueve. Comenzamos por un diseño de Schröder, el modelo LT del que nos hablaba Michael Fremer en este artículo, New Schröder Tangentially Tracking Pivoted Tonearm. La maravilla era que la base se movía al mismo tiempo que el brazo para mantener la cápsula perfectamente alineada con el surco, pero todo ello de modo puramente mecánico. Actualmente no hay referencia en la web de Schröder, pero aparece en (25 de junio de 2018) venta en Ana Mighty Sound, en Cool Gales y en Xact Audio.
Creo que en estas dos imágenes se puede apreciar adecuadamente el cambio de posición de la base a lo largo del movimiento pivotante del brazo.
Finalmente tenemos brazos donde la base se mueve ayudada por microprocesadores y servomotores. Tenemos a los alemanes de Ballfinger con su plato PS-2. El eje del brazo se va moviendo controlado por microprocesador. Personalmente opino que el diseño del plato destila elegancia.
Y finalmente los lituanos de Reed con su brazo también servoguiado. En este caso un láser controla la posición de la cápsula y ajusta la base.
Y de nuevo Tales de Mileto y su teorema.
En este par de vídeos se puede apreciar el funcionamiento
Y hasta aquí esta larga entrada que espero haya resultado interesante.
Hamos hablado varias veces sobre el corte de las "madres" a media velocidad (aquí , aquí o aquí) y probablmente volveremos a referirnos al tema. Así que parece conveniente explicar un poco en qué consiste esta tecnica.
A grandes rasgos es un método en el que la grabación se pasa a mitad de velocidad y el corte se hace también a media velocidad. Es decir, una cinta grabada a 30 IPS se reproduciría a 15 IPS y el corte en vez de a 33,3 RPM se haría a 16,65 RMP. Se ha generado la señal a la mitad de velocidad y se ha cortado ala mitad, luego se reproduce a velocidad normal. Hasta aquí todo sencillo.
Qué ventajas aporta esta metodología? Fundamentalmente que las cabezas de corte tienen "el doble de tiempo" para dibujar correctamente los surcos. Para algunas cabezas adsemás, la energía de las altas frecuencias de algunas grabaciones llegaba a dañarlas y aquí, al bajar la velocidad a la muitad, la frecuencia del sonido también baja a la mitad.
Pero qué problemas puede haber? Hay que tener en cuenta que con esta técnica los 20 KHz se convierten en 10 KHz, lo que faclita el trabajo de corte. Pero también hay que considerar que los 20 Hz se convierten en 10 Hz. Y qué ocurre entonces? Que el amplificador de corte tiene que estar diseñado para manejar estas frecuencias. Otro elemento a considerar es la curva RIAA, que ya no se va a comportar como estaba previsto sino que se habrá de ajustarla para que los filtros se apliquen en las frecuencias mitad de las previstas. Y con carácter más general, cualquier ecualización que se quiera aplicar en tiempo real (sobre la reproducción, sin modificar la cinta) se ha de calcular del mismo modo. De otra manera se producirán resultados inesperados, donde las frecuencias resaltadas o atenuadas serámn otras muy alejadas de las que se pretendía.
Resultado? Se ha comentado con frecuencia que esta técnica consigue unas altas frecuencias impecables, pero que el resultado en los graves tiende a ser inferior. Igualmente se ha comentado que existen algunos discos muy anómalos, lo que parece resultado de no haber tenido en cuenta el problema con la ecualización.
Cómo se llegó a esta técnica? En la época del sonido cuadrafónico, JVC desarrolló el sistema CD-4, para el que se hacía necesaria una señal de 30 KHz que codificaba las diferencias entre los canales delantero y trasero. Para poder cortar sin problemas discos a que contuvieran estas señales de mayor frecuencia (al mismo tiempo la industria hubo de adaptarse y desarrollar cápsulas capaces de trazar estas modulaciones) JVC creó esta técnica de corte a mitad de velocidad (junto con el fallecido Stan Ricker). Fue por esto mismo que JVC investigo hasta encontrar una formulación (el famoso supervinilo) que resistiera los esfuerzos mecánicos asociados a estas frecuencias y también un perfil especial para sus discos (a diferencia de muchos discos convencionales, eran completamente planos en la zona que contenía los surcos y también hablaremos un día sobre este perfil).
Aunque el CD-4 tuvo cierto éxito, su vida comercial fue limitado. Pero Ricker vio el potencial de la técnica para discos estereofónicos convencionales. Fue así, a través de su colaboración con MoFi (MFSL o Móbile Fidelity Sound Labs) que surgirían las promeros discos Half Speed Mastering de la famosa casa discográfica (una de las primeras discográficas con vocación audiófila). Y a partir de ahí lo han usado diversos estudios y en los últimos años, son el renacer del vinilo, se ha puesto muy de moda (por ejemplo en Abbey Road Studios, en QRP o en Reference Recordings).
Con bastante retraso, pero es casi obligatorio referir la muerte de Ornette Coleman. Se ha producido este 11 de junio de 2015 a causa de un fallo cardiaco.
Cuentan que cuando oyó por primera vez un saxofón se enamoró del instrumento y que su madre le dijo que trabajara para comprar uno. Y así se hizo limpiabotas para ahorrar para su primer saxofón, que le costó tres o cuatro años de ahorros.
Saxofonista alto y compositor, ocasional trompetista y violinista, su creatividad le llevó a desarrollar dentro del jazz el movimiento musical que se conoce como Free Jazz. Aunque el nacimiento del Free Jazz se fija en la edición del disco Free Jazz: A Collective Improvisation que fue publicado en 1961, ya el disco The Shape of Jazz to Come apuntaba claramente en esa dirección.
Coleman mantuvo una vida personal discreta. Se casó en 1954 con la poestisa y activista Jayne Cortez, divorciándose 10 años después. Con ella tuvo un hijo en 1956, Denardo Coleman, que se hizo percusionista y desarrolló su propia carrera musical, tocando con su padre, con su madre y la banda de ésta (The Firespitters), con Pat Metheny... Mantuvo su actividad hasta hace poco tiempo, apareciendo por ejemplo en un concierto homenaja llamado Celebrate Ornette, que se publicará este año. Y como persona discreta Coleman ha muerto discretamente.
Y nuestro pequeño homenaje, con este enlace a Lonely Woman, quizá su pieza más conocida y que formó parte del famoso The Shape of Jazz to Come.
Odio llenar este blog de obituarios. Y odio ser uno más de los que comentan noticias musicales ya trilladas por los garndes medios. Pero B. B. King merece este reconocimiento.
A B. B. King se lo han llevado por delante las complicaciones asociadas a la diabetes (como a Frankie Knuckles) y aunque a los 89 años todo puede resultar mortal, uno no puede dejar de recordar lo que se dice sobre la salud en EEUU. Son extraordinarios con los problemas agudos pero no se manejan tan bien con los problemas crónicos.
Sólo para hacernos una idea de su importancia recojo los titulares de:
Nacido en una plantación de Mississippi en 1925, Riley Ben King fue criado por su abuela, cantó gospel y tuvo su primera guitarra a los 12 años. Trabajó en el campo y se inició en el mundo de la música profesional con Bukka White, quién era primo de su abuela. Hizo pequeños conciertos y trabajó en la emisora radiofónica WDIA de Memphis, que emitía música de artistas de color. Allí ganó el apodo de B. B: King pues se le conocía como Blues Boy King. Allí también conoció a T-Bone Walker, este encuentró le impulsó a hacerse con una guitarra eléctrica.
A principios de los años 50 grabó varios discos con Sam Philips quién más tarde fundaría el sello Sun Records. Tuvo bastante éxito, pero un importante empujón se lo dio Frank Sinatra, a quién King admiraba profundamente. Sinatra le abrió las puertas de Las Vegas (Sinatra abrió las puertas a muchos artistas negros a lo largo de su vida). Otro importante impulso se debió a la entrada de artistas blancos que tocaban blues (como Eric Clapton) o se inspiraban en este estilo (como los Rolling Stones)
Con su estilo hizo evolucionar al blues desde sus raíces más clásicas, impulsándo la guitarra a un papel protagonista y desarrollando un tono más ligero y pegadizo. Su trabajo influyó al mismo tiempo en otros géneros musicales y en muchos artistas. Fue la admiración de los Rolling Stones lo que les empujó a llevarlo con ellos de gira (otro gran impulso para su carrera). Era famoso por su mala salud y por su profesionalidad, y ambas le acompañaron a los escenarios. Activo casi hasta el final de su vida, en su página web oficial nos tenía al día de como se encontraba.
Entre sus premios hay que resaltar que recibió 15 Grammys. No está mal para un hombre que salió de una plantación de algodón en la época del segregacionismo, pero que llegaría a tocar en la Casa Blanca o en el Vaticano. Parece contradictotio que un hombre de extracción social tan pobre tuviera tanta simpatía por la familia Bush, aunque no es un caso único, Louis Armstrong era un reconocido republicano.
Quizá por las carecias de su infancia era hombre conocido por sus excesos, jugador, glotón y mujeriego. Sobre las mujeres hay que decir que se caso dos veces, la primera vez muy joven. Comentaba a Rolling Stone en 1998 (On the Bus With B.B. King) que siempre había buscado el amor, que desde la infancia no había creído que alguien le quisisrea de verdad, que le costaba abrirse y buscaba a alguien que le ayudara. Y en esa búsqueda llegó a 15 hijos con distintas mujeres. era tal su afición que algún músico comentaba que era imposible hablar con él sobre música, que sólo le interesaba hablar de mujeres jóvenes.
Pero sus carencias de juventud también le hicieron tenaz y trabajador, una persona que aspiraba a ser no sólo más sino mejor. Si en la música buscaba y se inspiraba constantemente, en otros aspectos de la vida también. Por ejemplo, como había dejado los estudios muy joven, dedicaba mucho esfuerzo hasta muy avanzada edad a estudiar matemáticas e idiomas. Otro detalle intersante sobre su actituda hacia el trabajo es que en 1956 llegó a dar 342 conciertos, en 1989 (con 64 años) dio 300 y pasados los 80 decidió bajar el ritmo y sólo daba unos 100 anuales.
Además de bluesman, trabajó en el campo y fue DJ como hemos comentado. En las fases tardías de su carrera hizo apariciones en diversos shows de televisión (Barrio Sésamo, el Show de Bill Cosby, el Príncipe de Bel Air...) e incluso anunció un dispositivo para medir la glucosa. Además era dueño de una cadena de restaurantes temáticos, B. B. King Blues Club. En ellos han actuado artistas de renombre y muchos grupos del tipo "homenaje a...". Del local de Nueva York el periodista Robert Baird opina que "tiene las comidas y bebidas más caras de Times Square"
Aunque tuvo infinidad de guitarras de distintas marcas, sus favoritas eran las Gibson, concretamente la guitarra eléctrica Gibson ES-355, con la que mantuvo una relación desde 1959. A principios de los años 80 Gibson desarrolló un modelo ES-355 personalizado para King, y en el que entre otras cosas se eliminaban los orificios acústicos (también conocidos como f-holes) de la caja de resonancia para disminuir la realimentación (el feed-back).
Colaboró con infinidad de nombres del universo musical, casi imposible nombrarlos a todos, pero sin discriminar el rock, el blues o el pop. Entre otros citaremos a Gary Moore, Raimundo Amador, U2, Gloria Estefan, Eric Clapton, Norberto Napolitano, Ray Charles, Stevie Wonder, Pavarotti, George Benson, Elton John, Sheryl Crow, Glenn Frey o Van Morrison. Con algunos haría giras, como la que hizo con Raimundo Amador en 2004.
Aquí con el fallecido Gary Moore.
Y aquí en un Jazzaldia en Donostia con Raimundo Amador.
Al documentar su vida he descubierto una película documental de 2012 titulada B.B. King: The Life of Riley. Es un trabajo de Jon Brewer, director y productor que se ha especializado documentales sobre figuras del mundo de la música. Enlazamos el trailer.
Y mejor cerrar con una curiosidad- Esta es la anécdota, diveryida si no fuera bastante terrible, en la que se origina que todas sus guitarras se han llamado Lucille. En 1949 durante un concierto en Twist, Arkansas, dos hombres comenzaron a pelear. Derribaron una estufa hecha con un barril lleno de queroseno, y provocaron un incendio. Tras evacuar el local King se dio cuenta de que su guitarra acústica Gibson L-30 se había quedado dentro y volvió enre las llamas para recuperarla. Tras el incendio, que dejó dos muertos, le comentaron que la pelea se había producido por una mujer llamada Lucille. Y así compuso un tema llamado Lucille para recordar que no hay que hacer cosas estúpidas como pelear por una mujer o entrar en un edifico en llamas. Y aquí el tema para que lo disfrutéis:
Aquí está, una Gibson L-30, similar a la que casi le cuesta la vida a King.
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