Décadas de experiencia fueron a la chatarra a cambio de un formato de mínimos, prueba de que el ser humano no siempre avanza cuando aplica la tecnología a la resolución de un problema o a la satisfacción de una necesidad o de un capricho. Si el CD representaba "el principio del fin" (aunque quizá ese dudoso mérito se le deba al "Flexidisc") quizá el revivir del vinilo sea el principio de un nuevo principio.
David Wilson, de justa fama por ser fundador de Wilson Audio con sus famosos altavoces, falleció a finales mayo. ¿Por qué he deicidio comentarlo hoy? O mejor dicho ¿por qué me he resistido a comentarlo hasta hoy?
La realidad es que me disgusta profundamente la muerte de algunos genios a los que admiro, y por otro lado tampoco quiero convertir este blog en la página de necrológicas del mundo del audio analógico. Sinceramente creo que debería tener la inteligencia de escribir más sobre los personajes que constituyen este pequeño universo, no cuando fallecen sino cuando aún están creando y haciendo realidad sus sueños y con ellos los nuestros y más grande nuestra afición.
Pero hoy escribo sobre David Wilson porque ayer me encontré un artículo sobre él en la edición impresa de Hi-Fi Plus y me he dicho que este hombre merece también mi humilde homenaje, dado que sus grabaciones estuvieron entre las primeras experiencias mágicas que me conquistaron para esta afición.
La razón por la que Wilson corresponde de pleno derecho a este blog no es su mítica figura como diseñador de altavoces de referencia, lo que ya bastaría, sino por su origen como ingeniero de sonido y sus grabaciones míticas. Relacionado con ellas y envuelto en las brumas de la leyenda está el origen de sus primeros altavoces. Al parecer buscando un altavoz apropiado para evaluar sus grabaciones llegó a un diseño, el WAMM original, que gustó tanto como para vender dos docenas a 32.000 dólares por pareja (en la actualidad serían unos 88.000 dólares).
Su preocupación principal en el diseño de altavoces era la alineación temporal de los componentes de la señal de audio, por eso los distintos elementos de sus altavoces no están ni en el mismo plano ni en el mismo ángulo. Sus últimas WAMM, las Master Chronosonic, permitían el ajuste fino de sus elementos para conseguir perfeccionar esa característica en el entorno en que se instalasen, de un modo similar al diseño de las Focal Grande Utopia EM Evo.
David Wilson estaba licenciado en biología molecular y trabajó para Abbott, Pfizer y Cutter, pero lo dejó en 1974 para fundar Wilson Audio Specialities junto a su esposa Sheryl Lee. También colaboró como comentarista de equipos de audio con The Absolute Sound. Su pasión y su dedicación, su amabilidad y su sencillez hicieron que básicamente todo el mundo le apreciara, al menos si lo juzgamos por la reacción de muchos periodistas del mundo del audio.
Si alguien se interesa por sus grabaciones, algunas están disponibles en Acoustic Sounds hoy 12 de agosto de 2018. Curiosamente cuando Acosutic Sounds anunció la re-edición de alguna grabación de Wilson Audio como descarga, se me ocurrió preguntar si pensaban editar en formato físico (en mi caso en vinilo) y me respondieron que no. ¿Secretos de empresa? ¿Cambios de estrategia por la demanda del mercado?
Por si alguno quiere leer más, aquí algunos artículos a la muerte de David Wilson: - Hi-Fi Plus, DAVID A WILSON II (1944-2018)
Entresaco algún dato de la entrevista y quién lo desee que la lea antera. Con ésta Socolov ya ha dirigido tres operaciones de fabricación de discos. La más famosa hasta ahora EKS Manufacturing. Quiere centrarse en las casas pequeñas, en un proceso cooperativo donde se hacen tiradas más cortas, las casas discográficas se encargan de almacenar su material (carpetas, discos terminados...) en vez de dejar gran cantidad de material almacenado en la fábrica. La planta se ha pensado para ser ágil y optimizar el proceso y con ello los costes. Socolov ve que el mercado del vinilo se mueve acausa de los grupos indie, como antes lo sostuvo el dance. Creeo que el resurgir del vinilo es algo sostenido y espera que dure al menos otros 20 años, aunqe los problemas de capacidad de producción probablemente hagan que toque techo. Y un dato muy interesante, las grandes prensas no hacen tiradas largas, hacen tiradas hasta que se gasta el stamper(unos 2000 discos) y luego ponen ese disco en cola de nuevo para dar salida a otros. El planteamiento de Socolov es que, si hay tiradas de ese tamaño, las va a hacer sin pausa, para que el cliente tenga una idea clara dxel plazo en que dispondrá de su producto. Una lectura interesante, echadle un ojo.
Stan Ricker tenía un Bachelor of Music Education por la Univeridad de Kansas y tocaba la tuba y el bajo acústico y eléctrico. En el mundo de la música había dado clases, interpretado, dirigido, grabado, actuado como ingeniero de sonido, como productor y reaizado la masterización de numerosos proyectos. Era dueño de Stan Ricker Mastering, y tenía un equipo con electrónicas hechas a
medida por el Profesor Keith O. Johnson y se centraba
especialmente en la técnica del Half Speed Mastering, en la que se reproduce la fuente de sonido y se corta el disco a mitad de velocidad de la habitual. Aunque se hizo especialmente famoso por sus trabajos con Mobile Fidelity y por la técnica de masterizado a mitad de velocidad (Half Speed Mastering), además de para MoFi trabajó para Crystal Clear, Delos, Telarc, Reference Recordings, Windham Hill y muchos otros. Colaboró con JVC en el desarrollo de la técnica del Half Speed Mastering y de los discos UHQR.
Aquí con el también fallecido Harry Pearson en el CES de 2009.
Para quién quiera conocer más de este mito, esta entrevista en Enjoy The Music Stan Ricker: Live and Unplugged. Cuidado, son 13 páginas de contenido bastante denso. E n la entrevista descubrimos un dato curioso que poca gente conocerá, en el momento de la entrevista Stan Ricker era responsable de compras para el Departamento de Telemetría del Naval Air Warfare Center at China Lake (de vuelta de nuevo a esta reflexión).
Con bastante retraso, pero es casi obligatorio referir la muerte de Ornette Coleman. Se ha producido este 11 de junio de 2015 a causa de un fallo cardiaco.
Cuentan que cuando oyó por primera vez un saxofón se enamoró del instrumento y que su madre le dijo que trabajara para comprar uno. Y así se hizo limpiabotas para ahorrar para su primer saxofón, que le costó tres o cuatro años de ahorros.
Saxofonista alto y compositor, ocasional trompetista y violinista, su creatividad le llevó a desarrollar dentro del jazz el movimiento musical que se conoce como Free Jazz. Aunque el nacimiento del Free Jazz se fija en la edición del disco Free Jazz: A Collective Improvisation que fue publicado en 1961, ya el disco The Shape of Jazz to Come apuntaba claramente en esa dirección.
Coleman mantuvo una vida personal discreta. Se casó en 1954 con la poestisa y activista Jayne Cortez, divorciándose 10 años después. Con ella tuvo un hijo en 1956, Denardo Coleman, que se hizo percusionista y desarrolló su propia carrera musical, tocando con su padre, con su madre y la banda de ésta (The Firespitters), con Pat Metheny... Mantuvo su actividad hasta hace poco tiempo, apareciendo por ejemplo en un concierto homenaja llamado Celebrate Ornette, que se publicará este año. Y como persona discreta Coleman ha muerto discretamente.
Y nuestro pequeño homenaje, con este enlace a Lonely Woman, quizá su pieza más conocida y que formó parte del famoso The Shape of Jazz to Come.
Brooklyn Vinyl Works es el proyecto de un veterano con más 30 años en la industria de la música., Will Socolov. Fundador de Sleeping Bag Records, un sello dedicado al House de Nueva York y al Hip Hop, Socolov tiene experiencia en el mundo del prensado pues dirigió la desaparecida EKS Manufacturing (también afincada en Brooklyn). La planta, que se plantea trabajar 24 horas al día, dispone por ahora de pocas prensas, y se centrará en los pequeños sellos independientes. Inicialmente sólo prensarán discos de 12 pulgadas. Un dato muy interesante es que aceptan tiradas de 100 discos, la más baja que yo he visto nunca. En general las plantas piden pedidos mínimos de 250 unidades.Y una idea muy interesante, un muro de cristal para que pueda verse el trabajo en la planta. Parece que empiezan a operar en julio.
Por si alguien está interesado en ayudar en el desarrollo de Brooklyn Vinyl Works, aquí está el enlace a la campaña de Kickstarter para adquirir más maquinaria (la idea es conseguir más prensas), Brooklyn Vinyl Works: A Superior Record Pressing Plant.
Odio llenar este blog de obituarios. Y odio ser uno más de los que comentan noticias musicales ya trilladas por los garndes medios. Pero B. B. King merece este reconocimiento.
A B. B. King se lo han llevado por delante las complicaciones asociadas a la diabetes (como a Frankie Knuckles) y aunque a los 89 años todo puede resultar mortal, uno no puede dejar de recordar lo que se dice sobre la salud en EEUU. Son extraordinarios con los problemas agudos pero no se manejan tan bien con los problemas crónicos.
Sólo para hacernos una idea de su importancia recojo los titulares de:
Nacido en una plantación de Mississippi en 1925, Riley Ben King fue criado por su abuela, cantó gospel y tuvo su primera guitarra a los 12 años. Trabajó en el campo y se inició en el mundo de la música profesional con Bukka White, quién era primo de su abuela. Hizo pequeños conciertos y trabajó en la emisora radiofónica WDIA de Memphis, que emitía música de artistas de color. Allí ganó el apodo de B. B: King pues se le conocía como Blues Boy King. Allí también conoció a T-Bone Walker, este encuentró le impulsó a hacerse con una guitarra eléctrica.
A principios de los años 50 grabó varios discos con Sam Philips quién más tarde fundaría el sello Sun Records. Tuvo bastante éxito, pero un importante empujón se lo dio Frank Sinatra, a quién King admiraba profundamente. Sinatra le abrió las puertas de Las Vegas (Sinatra abrió las puertas a muchos artistas negros a lo largo de su vida). Otro importante impulso se debió a la entrada de artistas blancos que tocaban blues (como Eric Clapton) o se inspiraban en este estilo (como los Rolling Stones)
Con su estilo hizo evolucionar al blues desde sus raíces más clásicas, impulsándo la guitarra a un papel protagonista y desarrollando un tono más ligero y pegadizo. Su trabajo influyó al mismo tiempo en otros géneros musicales y en muchos artistas. Fue la admiración de los Rolling Stones lo que les empujó a llevarlo con ellos de gira (otro gran impulso para su carrera). Era famoso por su mala salud y por su profesionalidad, y ambas le acompañaron a los escenarios. Activo casi hasta el final de su vida, en su página web oficial nos tenía al día de como se encontraba.
Entre sus premios hay que resaltar que recibió 15 Grammys. No está mal para un hombre que salió de una plantación de algodón en la época del segregacionismo, pero que llegaría a tocar en la Casa Blanca o en el Vaticano. Parece contradictotio que un hombre de extracción social tan pobre tuviera tanta simpatía por la familia Bush, aunque no es un caso único, Louis Armstrong era un reconocido republicano.
Quizá por las carecias de su infancia era hombre conocido por sus excesos, jugador, glotón y mujeriego. Sobre las mujeres hay que decir que se caso dos veces, la primera vez muy joven. Comentaba a Rolling Stone en 1998 (On the Bus With B.B. King) que siempre había buscado el amor, que desde la infancia no había creído que alguien le quisisrea de verdad, que le costaba abrirse y buscaba a alguien que le ayudara. Y en esa búsqueda llegó a 15 hijos con distintas mujeres. era tal su afición que algún músico comentaba que era imposible hablar con él sobre música, que sólo le interesaba hablar de mujeres jóvenes.
Pero sus carencias de juventud también le hicieron tenaz y trabajador, una persona que aspiraba a ser no sólo más sino mejor. Si en la música buscaba y se inspiraba constantemente, en otros aspectos de la vida también. Por ejemplo, como había dejado los estudios muy joven, dedicaba mucho esfuerzo hasta muy avanzada edad a estudiar matemáticas e idiomas. Otro detalle intersante sobre su actituda hacia el trabajo es que en 1956 llegó a dar 342 conciertos, en 1989 (con 64 años) dio 300 y pasados los 80 decidió bajar el ritmo y sólo daba unos 100 anuales.
Además de bluesman, trabajó en el campo y fue DJ como hemos comentado. En las fases tardías de su carrera hizo apariciones en diversos shows de televisión (Barrio Sésamo, el Show de Bill Cosby, el Príncipe de Bel Air...) e incluso anunció un dispositivo para medir la glucosa. Además era dueño de una cadena de restaurantes temáticos, B. B. King Blues Club. En ellos han actuado artistas de renombre y muchos grupos del tipo "homenaje a...". Del local de Nueva York el periodista Robert Baird opina que "tiene las comidas y bebidas más caras de Times Square"
Aunque tuvo infinidad de guitarras de distintas marcas, sus favoritas eran las Gibson, concretamente la guitarra eléctrica Gibson ES-355, con la que mantuvo una relación desde 1959. A principios de los años 80 Gibson desarrolló un modelo ES-355 personalizado para King, y en el que entre otras cosas se eliminaban los orificios acústicos (también conocidos como f-holes) de la caja de resonancia para disminuir la realimentación (el feed-back).
Colaboró con infinidad de nombres del universo musical, casi imposible nombrarlos a todos, pero sin discriminar el rock, el blues o el pop. Entre otros citaremos a Gary Moore, Raimundo Amador, U2, Gloria Estefan, Eric Clapton, Norberto Napolitano, Ray Charles, Stevie Wonder, Pavarotti, George Benson, Elton John, Sheryl Crow, Glenn Frey o Van Morrison. Con algunos haría giras, como la que hizo con Raimundo Amador en 2004.
Aquí con el fallecido Gary Moore.
Y aquí en un Jazzaldia en Donostia con Raimundo Amador.
Al documentar su vida he descubierto una película documental de 2012 titulada B.B. King: The Life of Riley. Es un trabajo de Jon Brewer, director y productor que se ha especializado documentales sobre figuras del mundo de la música. Enlazamos el trailer.
Y mejor cerrar con una curiosidad- Esta es la anécdota, diveryida si no fuera bastante terrible, en la que se origina que todas sus guitarras se han llamado Lucille. En 1949 durante un concierto en Twist, Arkansas, dos hombres comenzaron a pelear. Derribaron una estufa hecha con un barril lleno de queroseno, y provocaron un incendio. Tras evacuar el local King se dio cuenta de que su guitarra acústica Gibson L-30 se había quedado dentro y volvió enre las llamas para recuperarla. Tras el incendio, que dejó dos muertos, le comentaron que la pelea se había producido por una mujer llamada Lucille. Y así compuso un tema llamado Lucille para recordar que no hay que hacer cosas estúpidas como pelear por una mujer o entrar en un edifico en llamas. Y aquí el tema para que lo disfrutéis:
Aquí está, una Gibson L-30, similar a la que casi le cuesta la vida a King.
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Michael Fremer publica en Analog Planet la triste noticia del fallecmiento de Doug Sax. Sax era un mínico ingeniero de sonido (tanto como para tener su propia entrada en Wikipedia), famoso por sus másteres, por sus cortes en vinilo, por su dedicación a la música y por haber puesto en marcha el primer servicio de masterizado independiente, The Mastering Lab.
Tuvo una carrera de trompetista sinfónico, pero estaba interesado por el sonido y la grabación, e insatisfecho con los resultados de los estudios existentes. Lincoln Mayorga, a quién había conocido en la orquesta de la Bancroft Junior High School, estaba también insatisfecho con el sonido de las grabaciones, especialmente con el piano. Estaban sorprendidos de que los discos de 78 rpm sonaran más musicales y realistas que los discos de la época. Como Mayorga estaba trabajando de arreglista y músico de estudio para Capitol conocía los estudios de la zona. Así que en 1959 acudieron al estudio Electrovox, que era Bert Gottschalk y su hijo Allen. Allí preguntaron si aún tenían líneas directas desde la consola de control a la de corte, sin pasar por la cinta magnética, como cuando se grababan 78 rpm antes de la existencia de las grabadoras. El resultado, utilizando equipos anticuados, les llevó a planterase la idea de un cambio de estrategia de masterizado y de grabación. Varios intentos realizados en los estudios existentes dieron resultados de calidad poco satisfactoria y esto les llevó a dar el siguiente paso.
A finales de 1967 fundó The Mastering Lab junto con Mayorga y con Sherwood, el hermano mayor de Sax. Sherwood es ingeniero y ha desarrollado buena parte del material utilizado por The Mastering Lab. Casi inmediatamente, en 1968 fundó Sheffield Lab, también junto a Mayorga, empezando a grabar directo a disco (sin pasar por cinta magnética), siendo el primero el titulado Lincoln Mayorga and Distinguished Colleagues. Sheffield Lab se convertía así en pionera de esta complicada técnica de grabación, incluso hay quién dice que fueron quienes lanzaron la industria de las casas discográficas centradas en los audiófilos.
Sheffield tuvo algunos discos muy valorados. Recientemente su disco Lincoln Mayorga and Distinguished Colleagues ha sido recogido por la Biblioteca del Congreso de EEUU como parta de su National Recording Registry. Entre los artistas con los que ha colaborado están Al Jarreau, Bob Dylan, Kenny Rogers, Neil Diamond, Paul McCartney, Bette Midler, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Pink Floyd, Frank Zappa, The Doors, The Who, The Rolling Stones, Diana Krall, The Eagles y una lista interminable de artistas más y menos conocidos. Allmusic recoge sus trabajos aquí, Doug Sax-Credits. Recibió en Technical Grammy Award de 2004 y otros 3 premios Grammy en 2005 por Genius Loves Company, el disco póstumo de Ray Charles.
Partidario de las electrónicas de válvulas, muy crítico con la forma que habían tomado las tecnologías digitales, como en su momento lo era de las técnicas de grabación de los años 50 y 60, podemos leer algunas de sus opiniones en las siguientes entrevistas:
- En la web de Bobby Owsinski, en un extracto de su libro The Mastering Engineer's Handbook, entrevista a Sax en este extracto, Mastering Engineer Doug Sax. Una frase que impresiona es cuando dice que si no tiene claro como tiene que sonar un proyecto prefiere pasar. Rechazar un trabajo por este motivo me parece una muestra de honestidad increíble.
Ya que hemos nombrado a Lincoln Mayorga, hay que decir que fue músico de estudio trabajando con personajes de la talla de Frank Zappa, Barbra Streisand, Mel Torme, Andy Williams o Sam Cooke. Además ha desarrollado una carrera en solitario como pianista, con algunos discos bastante aceptados. Por ejemplo tenemos Growing Up in Hollywood Town o West of Oz, ambos con Amanda McBroom. Actualmente actúa como concertista de piano.
Para quién quiera conocer mejor The Mastering Lab:
El vinilo retorna a Japón, parece que algo más tarde que en oltras partes del mundo, pues ha empezado a resurgir a partir de 2011. HMV (sí, la que está triunfando con el vinilo en Gran Bretaña tras quebrar hace unos años) ha reabierto en Shibuya, un barrio de Tokio, una tienda llamada “HMV record shop Shibuya”. 100.000 discos en dos plantas con una selección de rock, soul y J-Pop. AL parecer hacen ediciones limitadas también. Y la venta de platos no se les da tampoco mal.
Parece que Japón sólo se unió al RSD en 2012, pero aun así disponen de su página propia http://www.recordstoreday.jp/. Eso sí, está en japonés y es difícil saber qué han editado en Japón para ese día. El primer año sólo hubo 4 ediciones especiales en Japón, pero para 2014 ya habían alcanzado las 40. Parte gracias a que Masafumi Goto, vocalista de la banda Asian Kung-Fu Generation, fue elegido como embajador del evento y edito su primer single en vinilo para el RSD.
La única planta que aún produce discos de vinilo en Japón (y parece que en todo el continente asiático) es Toyo Kasei en Yokohama. Empezó a producir vinilos en 1961. Aunque ya no es us principal línea de negocio Toyo Kasei nunca ha dejado de prensar discos y lleva una temporada con la producción de vinilos a plena capacidad.
También nos hablan de los "jazz cafés", Jazzu Kissa en japonés, a través del Café Chigusa en Yokohama. Para quién no conozca el fenómeno, los jazz cafés son locales donde los clientes van a tomar algo y escuchar jazz. Allí los propietarios tienen grandes colecciones de discos y equipos de nivel para acompañarlas (lo silustra este enlace de la web del Café Chigusa, AUDIO).
El Café Chuigusa fue fue fundado en 1933 y reabierto después de la segunda guerra mundial, pues fue destruido durante ésta. Era frecuentemente visitado por las grande sfiguras del jazz japonés. A la muerte en 1994 de su fundador, Mamoru Yoshida, tomó las riendas del local su hermana, Takako Yoshida, que empezó a tener problemas de salud en el año 2000. A pesar de la ayuda de los miembros del club de admiradores del bar, Chigusa Kai o en inglés the Chigusa Association, una oferta de un constructor que había adquirido los locales de la zona hizo que vendiera en 2007.
Una historia que cuenta el presidente de los Chigusa Kai, Masataka Yusa, es que Mamoru Yoshida negoció con la JASRAC (Japanese Society for the Rights of Authors, Composers and Publishers, algo así como la SGAE japonesa) unos derechos razonables para poder usar música grabada en locales públicos. Al parecer Yoshida, tras largas negociaciones, logró convencer a Yasushi Akutagawa, el pesidente de la JASRAC en aquel momento, de mantener las cuotas dentro de unos límites sensatos.
Miembros del Chigusa Kai se decidieron reabrirlo tras el éxito de un evento organizado en 2009. Allí durante 9 días recibieron a más de 2500 personas. Con la aportación de donaciones, con algunos muebles del Chigusa original, el café reabrió en 2012 en un lugar próximo a su localización original. Contó con la ayuda del ayuntamiento de Yokohama con la condición de ayudar a Tohoku (muy afectado por el terremoto de 2011) lo que hicieron contratando gente que se había quedado sin hogar, usando productos producidos allí e incluso ayudando a la reapertura de otro jazz café, el "h. Imagine" en Rikuzentakata. Una historia curiosa pues Katsutoshi Tomiyama lo había abierto en 2010 y sufrió un incendio en diciembre seguido 20 días después por las olas del tsunami de 2011.
En 2013 han lanzado su propio sello discográfico, Chigusa Records, que edita en vinilo un disco del ganador del Chigusa Award. Este premio se concede a artistas prometedores del mudo del jazz japonés. Como la grabación se hace en Yokohama, el prensado se hace en Yokohama, y Chigusa está en Yokohama, el productor de los discos, Yasuharu Fujisawa, dice que es ‘Made in Yokohama’.
Para quién quiera más detalles de este mítico local que renace como el ave fénix, este artículo, Legendary Chigusa jazz cafe reborn, de The Japan Times narra su historia con motivo de su reapertura en 2012.
Finalmente nos hablan de las ediciones y de las reediciones que vuelven a surgir. Al parecer King Records ha empezado ha hacer reediciones en vinilo. Igualmente Yamesuke el útimo disco de Kiyoshiro Imawano, ha sido editado en vinilo en 2014. Yamesuke fue grabado en 2006, 3 años antes de la muerte de Imawano. Era el propio artista quién deseaba una edición en vinilo de este trabajo.
Y aquí nos despedimos con un video de Kiyoshiro Imawano cantando el "Summertime blues" en japonés y con mensaje antinuclear:
Otro gran nombre que se suma al panteón de los mitos de la industria de la alta fidelidad. Nos deja otro de los "padres fundadores" de este sector, a medio camino entre el arte y el entretenimiento. Joe Grado ha fallecido a la tierna edad de 90 años.
Nacido en 1924, dejó sus estudios de relojería a los 16 años para trabajar como relojero para Tiffany & Co. (sí, los de Desayuno con diamantes). También impartiría clases de relojería algunas noches para ganar un dinero extra. Enseguida pasó al mundo del audio de la mano del también mítico Saul Marantz. A principios de los 50 inventó la cápsula de bobina móvil estereofónica (o al menos se le reconoce oficialmente como inventor de este tipo de cápsula, cuya patente se le otorgaría en 1959). Comenzó a fabricarlas en la mesa de la cocina de su casa en 1953, fundando Grado Labs. En 1955 la trasladaría al edificio donde su padre había tenido una tienda de alimentos, la Grade Fruit Shop. Pero Grado no se haría famoso por sus cápsulas de bobina móvil sino por sus cápsulas "moving iron" (cuyo mecanismo de funcionamiento nunca he logrado comprender).
A lo largo de los años fabricaría cápsulas fonocaptoras, altavoces, tocadiscos y un brazo de madera muy aclamado, aunque en 1963 cesó la producción de todas las líneas de producto salvo las cápsulas. En 1984 diseñó y fabricó el brazo Joseph Grado Signature. Pero la única línea de productos que ha permanecido en el catálogo de la compañía a lo largo de estos más de 60 años de historia han sido las cápsulas fonocaptoras, como podemos ver en este enlace. A mediados de los 80 Grado llegaba a fabricar 10.000 unidades por semana. En 1982 Grado fue reconocido en el Audio Hall of Fame.
Con el ascenso del CD las ventas de cápsulas se redujeron y Grado debia encontrar otra línea de producto. Como experto en mecanica de precisión y maestro de los transductores electromecánicos, una de las opciones evidentes eran los auriculares. A finales de los 80 Grado diseñó sus primeros auriculares. En 1990 la empresa pasó a manos de su sobrino, John Grado, que llevaba desde joven formándose y trabajando en ella. Los auriculares pasaron a ser el producto principal de Grado, salvando la viabilidad de ésta como empresa. Uno de los productos que no ha llegado a ver la luz son los Grado Towers, altavoces realizados con diafragmas de auriculares (32 diafragmas mde RS-1 por canal) en una estructira de madera de 6 pies de altura (algo menos de dos metros)
Joe Grado grado fue muy prolífico, llegando a registrar 48 patentes. Aún hace solamente 4 ó 5 años desarrolló unos micrófonos profesionales muy reconocidos, creando la empresa Joseph Grado Signature Products. Era el último transductor electromecánico que le faltaba, tras pasar por las cápsulas, los altavoces y los auriculares. La propia IEEE en su IEEE Global History Network le dedica una entrada Joseph Grado Biography.
Personaje activo, inventor, ingeniero y artista, además de la pasión que manifestaba por la alta fidelidad, era aficionado a pintar y a cantar. Llegó a debutar como tenor en 1981 en el Lincoln Center de Nueva York. No lo hizo tan mal y la crítica (Music: Debuts in Review; Joseph Grado, Tenor, In All-Italian Program) del New York Times diría "There was a grace and delicacy in the quieter moments of Mr. Grado's
singing and an attractive richness when he ventured to sing out".
La empresa sigue siendo un negocio familar, atendido por la tercera generación de la familia Grado. Su sede sigue aún en el mismo discreto edificio de tres plantas de la Séptima Avenida en Brooklyn, aunque actualmente no todos los productos de Grado son fabricados allí. La familia ha escrito una entrada en el Blog de Grado Labs, "The Grado family holds Uncle Joe in the highest regard, and without
him, not only would we still be working in a fruit store, but we would
have never started making headphones." Han escrito también una entrada en la página de Facebook de Grado Labs.
El artículo recorre la consabida narrativa del retorno del vinilo, el techo de producción por falta de plantas de prensado, el límite de capacidad de las prensas existentes y su constante necesidad de mantenimiento, las demoras en la producción y las dificultades extra que suponen en un entorno de producción limitada las ediciones especiales (por ejemplo en color), el coste de fabricar nuevas prensas que se estima en 250.000 dólares por unidad, la búsqueda de prensas de segunda mano por las que se pagan hasta 30.000 dólares para luego restaurarlas, y también lo que ya comentamos en esta entrada, Vinyl records refuse to fade out, en Plastics News, en EEUU hay dificultades para obtener un suministro fiable de vinilo... pero con una vuelta de tuerca más, los problemas que comienzan a tener las consolas de corte y la dificultad para ser reparadas, no por su construcción, sino porque cada vez quedan menos especialistas capaces de hacerlo.
Participa en el artículo Ryan Raffaelli, de la Hardvard Business School y experto en "re-emergencia de tecnologías". Opina que los inversores aún no se deciden a arriegar su dinero en este sector pues no es un volumen tan importante de negocio y no está completamente claro que sea una reactivacion que perdure en el tiempo.
También interviene Jack Cicerello, director de la división de EEUU de Thai Plastic and Chemicals Public Co. Ltd., la empresa de Tailandia que suministra el 90% del vinilo que consumen las prensas estadounidenses. Cicerello trabajaba en Keyser Century y al cerrar ésta prácticamente no quedaron empresas norteamericanas que suministraran vinilo. Al ficharlo la empresa tailandesa para expandir su mercado estadounidense, se le ocurrió proponer como negocio complementario el suministro de vinilo a las plantas de prensado.
Otra persona que participa es Thomas Bernich, quién junto a su esposa dirige Brooklyn Phono, una pequeña planta de prensado en Nueva York. Bernich comenta que tiene constantes problemas técnicos y que podría fabricar máquinas nuevas pero que el coste es prohibitivo. Bernich acompaña al autor, Neil Shah, en una visita a la planta, donde éste puede observar que los requerimiento sde mantenimiento son constantes, con continuos ajustes por parte de los operarios.
Un personaje muy interesante que colabora en el artículo es Robert Roczynski, de 67 años. Hijo de Stanley Roczynski que diseñaba equipos para CBS cuando ésta puso en marcha en 1946 la primera planta de prensado de LPs estadounidense en Bridgeport, Connecticut. Así que está en este mundo desde su adolescencia. Roczynski montó Record Products of America allá por al año 1977, para dar soporte inicilamente a la industria del vinilo y posteriormente a la del CD. En la actualidad, además de los equipos relacionados con la producción de CDs, da soporte a las prensas de las marcas Alpha Toolex, Hamilton, Lened y SMT, indicando en su web que puede suministrar todas la spiezas para las Hamilton y Lened. Record Products también suministra piezas comunes como las ventosas que sujetan las etiquetas o los discos terminados, los pines de centrado o los moldes sobre los que se apoyan las matrices de prensado y que a veces han de hacerse a medida para pesos especiales (por ejemplo los de 200 gramos de QRP). Y además de todo esto hace de intermediario y en compras y ventas de prensas. En su opinión se intenta recuperar una industria cuyo tiempo ha pasado. Yo quiero pensar que se equivoca.
Finalmente tenemos a Len Horowitz, de 62 años y experto en consolas y cabezales de corte. Horowitz regenta HISTORY OF RECORDED SOUND, desde donde proporciona servicios de reparación de dichas consolas, de cabezas de corte y de las electrónicas asociadas al proceso de preparación de las "madres" para el estampado de discos. Para Horowitz el problema es que si no hay corte no hay prensado. Según él las máquinas están pensadas para durar, pero cada vez hay menos personas capacitadas para manejar o reparar los sistemas de corte.
Todos empujando para que esta industria salga adelante, todos parecen pensar que no va a salir, por falta de equipos asequibles, por falta de suministros, por falta de personal cualificado, por falta de inversión... Pero parece que a pesar de esto, poco a poco, cada pieza va encajando para convertirla de nuevo en un sector viable a medio plazo. Parte de las pegas planteadas dejan de ser tan importantes si lo que os comentaba en esta entrada, Y finalmente nuevas prensas de discos se ponen en servicio... en Europa, sorpresa, adquiere carácter general y no es una iniciativa que se queda finalmente limitada a GZ Vinyl y a Pallas.
Los artículos merecen la pena y pivotan sobre el concepto de Wife Acceptance Factor, aquellas cosas que entran o no en casa en función de las consideraciones estéticas de la esposa y generalmente referidas a electrónica, informática... Aunque podrían generalizarse a otros gastos (automóviles por ejemplo) y aficiones. Resumiré las hipótesis de ambos. El artículo de Tone Audio lo condensa en la idea de que muchos compradores varones echan la culpa de no finalizar una compra a sus novias o esposas (que no suelen estar presentes) cuando en realidad son productos que no pueden permitirse. El autor ha trabajado en ventas y opina que en general las mujeres aficionadas suelen disfrutar más de sus equipos, están dispuestas a asumir costes iniciales más altos y no se dedican a mejorarlos obsesivamente después sino que se centran en escuchar música. El artículo de Part Time Audiophile se resume en que son los propios hombres quienes mantienen a las mujeres alejadas de esta afición ("esto no es para ti", "aquí tienes un equipo compacto que no te dará problemas"...), lo que acaba provocando ese rechazo por equipos aparatosos que no comprenden ni les aportan ningún servicio.
Sólo puedo decir que se agradece que aparezcan mujeres en las ferias de discos, y que es muy cierto que la alta fidelidad no puede sobrevivir al margen de la mitad de la problación mundial. Como tampoco será capaz de permanecer relevante si no logra atraer a los jóvenes.
Se nos olvida nombrar a tres grandes mujeres del audio actual. Son EveAnna Manley de Manley Laboratories, Jozefina Lichtenegger de EAT y Eunice Kron de KR-Audio. Cada una dirige su empresa y de un modo u otro todas se dedican a las válvulas de vacío.
ACTUALIZADO 16 de mayo de 2015
Buscando información sobre el show High End Munich 2015 descubro a Ulla Scheu, esposa del fallecido Thomas Scheu. Ella es la actual dueña de Scheu Analog, fabricante de cápsulas, brazos y platos de alto nivel.
Hace un tiempo os contaba que Stephen Mejias dejaba Stereophile y criticaba que no se despidiera de él adecuandamente, y así lo dejé. Pero en mayo de este año una entrada titulada Goodbye & Hello le despedía agradeciendo su colaboración en tareas de edición desde el año 2000 y su contribución a través de su blog desde 2005 y desde 2011 a través de su columna "The Entry Level" que curiosamente se dedicaba a componentes más básicos.
Aprovechaban en esa entrada para depedirse también de Ariel Bitran, que dejó la revista en enero para fuindar una empresa dedicada al marketing utilizando las redes sociales, de Pip Tannenbaum, su directora de producción y de su directora artística Natalie Brown-Baca.
Y al mismo tiempo daban la bienvenida a Jeremy Moyler como director artístico (con un bagaje a sus espaldas de revistas como American Idol Magazine, Popular Plates, Law of Attraction o, más recientemente, European Car) y de Christina Poncé como directora de producción. Finalmente se incorporan Michael Lavorgna y Herb Reichert como colaboradores.
Así que mis disculpas a Stereophile aunque lleguen con demasiada demora.
Harry Pearson ha fallecido el 4 de noviembre de 2014. Uno de los personajes que ayudó a crear el periodismo de audio moderno, y sus análisis se basaba más en en cómo sonaban los componentes antes que en las medidas que daban. Fundador de The Absolute Sound, medio que dejó en 2012, colaboraba en la actualidad en The High Fidelity Report. Daba primacía a los conciertos de música clásica como referencia de sonido y tenía experiencia en la grabación en directo. Fue mentor o amiogo de todos los grandes nombres del periodismo de este sector. Quizá sólo se le puedan reprochar dos cosas. HP no consideraba otra música que la clásica en su búsqueda del sonido "real". Y también mostraba cierta arrogancia que ejemplifica la anécdota de un periodisita, Jonathan Valin, que más tarde colaboraría con él. A raíz de un libro de Valin sobre las granaciones de RCA, HP le llamó. Éste, impresionado, le respondió "Siento que estoy hablando con Dios" a lo que HP respondió "No, Dios está hablando contigo".
A veces temo que este blog se convierta en un museo lleno de cadáveres de músicos y otrospersonajes relacionados con la música. Pero no puedo dejar de reflejar algunos nombres que nos han dejado en tan poco tiempo.
El más reciente ha sido Johnny Winter, el "albino eléctrico". Guitarrista, cantante y productor (por ejemplo de varios exitosos discos de Muddy Waters) y figura del blues eléctrico que ha muerto a los 70 años en un hotel de Zúrich dos días después de un concierto en Francia. Tenía una muy extensa discografía y aún más discos piratas (hay quién habla de un 85%). Hombre de vida turbulenta, el artista de Texas había participado recientemente en un documental sobre su vida Johnny Winter: Down & Dirty donde recordará su debut “Cuando tenía 15 años grabé mi primer disco, di mi primer concierto, me fumé mi primer cigarrillo, me emborraché por primera vez y me acosté con mi primera novia. Fue un gran año”. Este setiembre sale su último disco, lleno de colaboraciones, que se llamará Step Back.
Charlie Haden, 76, extraordinario contrabajista, respetado y admirado por todos los que tocaron con él. Inició su carrera musical como cantante con la Haden Family Band pero hubo de dejarlo por una poliomielitis que dañó sus cuerdas vocales y le acompañó toda su vida, pero que lo llevó a ser el genio del contrabajo que conocemos. Uno de sus últimos trabajos fue la banda sonora de la película de David Trueba Vivir es fácil con los ojos cerrados, junto con Pat Metheny (Trueba se sintió inspirado por Beyond the Missouri Sky de Metheny y Haden). Este año había sacado junto a Keith Jarrett un disco llamado, casi premonitoriamente, Last Dance. Un disco que me encanta es Sophisticated Ladies, quizá por ser de lo más comercial de Haden aunque no deja de ser elegante.
Jimmy Scott, el vocalista de la voz peculiar, una persona que supo sacar partido de una enfermedad que le dejó con tono casi infantil, el síndrome de Kallman. De hecho la primera vez que escuché una grabación suya pensé que se trataba de una mujer. Sufrió mucho por su pequeña estatura, su complexión delgada y su voz. Tuvo un resurgir de su carrera a partir de 1991, al cantar en el funeral de su amigo Doc Pomus, lanzando en 1992 el disco "All the way". Falleció en junio con 88 años.
Horace Silver, pianista y compositor estadounidense, el "cocinero del jazz". Amparado por Stan Getz, tuvo una larga relación con Blue Note, que concluyó en 1980. 4 de sus álbumes con Blue Note fueron incluidos en la lista "100 essential jazz albums" que hizo la casa discográfica para celebrar su 75 aniversario._Silver. Ayudó a lanzar a músicos como los saxofonistas Hank Mobley y Joe Henderson o los trompetistas Blue Mitchell y Woody Shaw . Su biografía, publicada en 2006, se tituló "Let´s go to the nitty gritty". Falleció en junio a los 85 años.
Tommy Ramone era el último de los Ramones originales. Nacido en Budapest, Hungría. Baterista, tocó en los tres primeros discos de la banda, siendo sustituido por Marky Ramone en 1978. Participó en la producción de los 4 primeros discos así como en el octavo. Dedicó su carrera fundamentalmente a la producción, colaborando por ejemplo con los Talking Heads. Falleció en julio con 65 años. Como comentario lateral, deciros que Marky Ramone tiene una banda, Marky Ramone's Blitzkierg, junto con el cantante de The Misfits, Michale Graves. Tocaron en la Plaza de los Fueros de Pamplona durante las fiestas de San Fermín de 2014 y que el grupo es cañero y muy divertido.
Ha fallecido con sólo 70 años. Parece ser que luchaba hace ya años contra un cáncer de colon y padecía los primeros signos del Alzheimer. A pesar de esto había lanzado un disco recientemente (The Bravest Man in the Universe en 2012), tenía una gira de conciertos prevista para todo el verano y un disco en el horno (The Best Is Yet To Come) con la participación de Rod Stewart, Stevie Wonder, Snoop Dog o Ron Isley.
En los inicios de su carrera formó The Valentinos (conocido inicialmente como los Womack Brothers) junto con su hermano y bajo el patronazgo de Sam Cooke. El grupo se disolvió a la muerte de Cooke. Bobby se casó con la viuda de Sam Cooke, Barbara, sólo tres meses después de la muerte de éste, provocando un gran escándalo. Se rumorea que también tenía un affaire con Linda, la hija de Sam y Barbara, siendo ella una adolescente. Esto provocó la ruptura del matrimonio en 1970. Curiosamente, el hermano menos reconocido (Cecil) se casó con Linda, formando con ella el dúo Womack & Womack).
Aunque Bobby Womack era un artista por derecho propio, la mayor parte de su carrera la desarrolló en colaboración con otros. Entre los nombres con los que colaboró están Los Rolling Stones, Aretha Franklin, Sly Stone, Wilson Pickett... Y muy recientemente con Gorillaz en el disco Plastic Beach.
Un detalle curioso más, que imagino explica parte de su éxito con las mujeres, hace un año la revista Singersroom lo calificaba como uno de los cantantes varones mejor vestidos del Rythm and Blues, Best Dressed Male R&B Legends
Aquí dejamos alguno de sus éxitos.
La siguiente la conoceréis bien los que hayáis visto Jackie Brown (en mi opinión una de las mejores películas de Quentin Tarantino) y diría que es un soul realmente puro:
Ya sabéis lo que toca ahora. Es momento de homenajes, de reediciones, de ediciones limitadas y coleccionables y sobre todo es momento de comprar vinilos.
ACTUALIZADO 1 de julio de 2014
Aquí el homenaje que le hace Stereophile de la mano de Robert Baird, Bobby Womack . Una lectura que merece la pena, entre otras cosas por las recomendaciones musicales.
No nos extenderemos en comentar la carrera de este artista, genio, y padre de lo "robo-orgánico" (o "bio-mecánico") que se lanzó al gran públicio a través de Alien, el octavo pasajero. Fue muy controvertido por obras como el póster "Penis Landscape" para el disco de The Dead Kennedys llamado Frankenchrist. Falleció este 12 de mayo de 2014 a la relativamente temprana edad de 74 años tras sufrir una caída en las escaleras de su casa.
Llamadme ignorante pero desconocía esta faceta de Andy Wharhol, sabía que había hecho algunas portadas, todos conocemos la del enorme plátano para The Velvet Underground o quizá la que hizo para Aretha Franklin. Pero me ha sorprendido que llevara desde 1949 trabajando de modo regular en esto, en vez de hacer colaboraciones para amiguetes. También me ha impresionado descubrir que no sólo hacía portadas para estrellas más o menos populares sino también para discos de música "seria".
Finalmente en esta página, Andy Wharhol's record cover art, podemos encontrar un listado bastante completo de portadas entre las que se incluyen incluso algunas póstumas. También descubriremos que incluso Miguel Bosé hizo uso de los servicios de Wharhol como ilustrador.
Con su segundo álbum en solitario, Lazaretto, Jack White (de White Stripes y con el single "más rápido de la historia") ha logrado ventas de 138.000 unidades y de ellas 40.000 vinilos. Lazaretto se convierte así en el disco que más vinilos ha vendido desde que en 1991 Nielsen Soundscan comenzara a seguir las ventas musicales, batiendo así el récord que estableció en 1994 Pearl Jam al vender 34.000 copias en vinilo de su disco Vitalogy en la primera semana de ventas. El disco se encuentra a la espera de una reedición en vinilo-
Varias curiosidades sobre Lazaretto. En su versión "ultra" en vinilo tiene varias características especiales;
- 2 cortes bajo las etiquetas centrales, uno a 45 RPM y otro a 78 RPM, convirtiéndolo así en el primer disco con tres velocidades distintas
-la cara A se reproduce "de dentro a fuera" mientras que la B se reproduce de modo normal
- el orden de las canciones es distinto que en el CD
- no se usó compresión durante la grabación, la mezcla o el masterizado
- algunas mezclas de la versión en vinilo son distintas de la versión digital
- el tema "Just One Drink" usa lo que llaman "Dual Groove Technology", dos cortes paralelos que convergen en uno, así tenemos os intros distintas para el mismo tema según donde pongamos la aguja
- la cara B está acabada en mate así que parece un disco de 78 RMP
- el vinilo se ha prensado en un infrecuente acabado plano, sin "labio"
. Además, Gelato Messina, un a cadena de heladería de Australia, ha sacado un sabor en su honor llamada Jack'n'White, que estará disponible la próxima semana y entre otras cosas lleva un poco de Jack Daniel's (Jack), chocolate blanco (White) caramelizado y varios ingredientes más.
Un último comentario, admiramos a Jack White por su declarado amor a nuestro formato preferido y por su apuesta, con una tienda de discos, su propio sello discográfico y un estudio que permite grabar directo a disco y usar cadenadas de grabación distintas para distintos formatos. Pero quizá con tantas sorpresas se corre el riesgo de la gente se quede con lo anecdótico y no con el amor puesto en la música y en su grabación y edición.
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