Décadas de experiencia fueron a la chatarra a cambio de un formato de mínimos, prueba de que el ser humano no siempre avanza cuando aplica la tecnología a la resolución de un problema o a la satisfacción de una necesidad o de un capricho. Si el CD representaba "el principio del fin" (aunque quizá ese dudoso mérito se le deba al "Flexidisc") quizá el revivir del vinilo sea el principio de un nuevo principio.
David Wilson, de justa fama por ser fundador de Wilson Audio con sus famosos altavoces, falleció a finales mayo. ¿Por qué he deicidio comentarlo hoy? O mejor dicho ¿por qué me he resistido a comentarlo hasta hoy?
La realidad es que me disgusta profundamente la muerte de algunos genios a los que admiro, y por otro lado tampoco quiero convertir este blog en la página de necrológicas del mundo del audio analógico. Sinceramente creo que debería tener la inteligencia de escribir más sobre los personajes que constituyen este pequeño universo, no cuando fallecen sino cuando aún están creando y haciendo realidad sus sueños y con ellos los nuestros y más grande nuestra afición.
Pero hoy escribo sobre David Wilson porque ayer me encontré un artículo sobre él en la edición impresa de Hi-Fi Plus y me he dicho que este hombre merece también mi humilde homenaje, dado que sus grabaciones estuvieron entre las primeras experiencias mágicas que me conquistaron para esta afición.
La razón por la que Wilson corresponde de pleno derecho a este blog no es su mítica figura como diseñador de altavoces de referencia, lo que ya bastaría, sino por su origen como ingeniero de sonido y sus grabaciones míticas. Relacionado con ellas y envuelto en las brumas de la leyenda está el origen de sus primeros altavoces. Al parecer buscando un altavoz apropiado para evaluar sus grabaciones llegó a un diseño, el WAMM original, que gustó tanto como para vender dos docenas a 32.000 dólares por pareja (en la actualidad serían unos 88.000 dólares).
Su preocupación principal en el diseño de altavoces era la alineación temporal de los componentes de la señal de audio, por eso los distintos elementos de sus altavoces no están ni en el mismo plano ni en el mismo ángulo. Sus últimas WAMM, las Master Chronosonic, permitían el ajuste fino de sus elementos para conseguir perfeccionar esa característica en el entorno en que se instalasen, de un modo similar al diseño de las Focal Grande Utopia EM Evo.
David Wilson estaba licenciado en biología molecular y trabajó para Abbott, Pfizer y Cutter, pero lo dejó en 1974 para fundar Wilson Audio Specialities junto a su esposa Sheryl Lee. También colaboró como comentarista de equipos de audio con The Absolute Sound. Su pasión y su dedicación, su amabilidad y su sencillez hicieron que básicamente todo el mundo le apreciara, al menos si lo juzgamos por la reacción de muchos periodistas del mundo del audio.
Si alguien se interesa por sus grabaciones, algunas están disponibles en Acoustic Sounds hoy 12 de agosto de 2018. Curiosamente cuando Acosutic Sounds anunció la re-edición de alguna grabación de Wilson Audio como descarga, se me ocurrió preguntar si pensaban editar en formato físico (en mi caso en vinilo) y me respondieron que no. ¿Secretos de empresa? ¿Cambios de estrategia por la demanda del mercado?
Por si alguno quiere leer más, aquí algunos artículos a la muerte de David Wilson: - Hi-Fi Plus, DAVID A WILSON II (1944-2018)
Stan Ricker tenía un Bachelor of Music Education por la Univeridad de Kansas y tocaba la tuba y el bajo acústico y eléctrico. En el mundo de la música había dado clases, interpretado, dirigido, grabado, actuado como ingeniero de sonido, como productor y reaizado la masterización de numerosos proyectos. Era dueño de Stan Ricker Mastering, y tenía un equipo con electrónicas hechas a
medida por el Profesor Keith O. Johnson y se centraba
especialmente en la técnica del Half Speed Mastering, en la que se reproduce la fuente de sonido y se corta el disco a mitad de velocidad de la habitual. Aunque se hizo especialmente famoso por sus trabajos con Mobile Fidelity y por la técnica de masterizado a mitad de velocidad (Half Speed Mastering), además de para MoFi trabajó para Crystal Clear, Delos, Telarc, Reference Recordings, Windham Hill y muchos otros. Colaboró con JVC en el desarrollo de la técnica del Half Speed Mastering y de los discos UHQR.
Aquí con el también fallecido Harry Pearson en el CES de 2009.
Para quién quiera conocer más de este mito, esta entrevista en Enjoy The Music Stan Ricker: Live and Unplugged. Cuidado, son 13 páginas de contenido bastante denso. E n la entrevista descubrimos un dato curioso que poca gente conocerá, en el momento de la entrevista Stan Ricker era responsable de compras para el Departamento de Telemetría del Naval Air Warfare Center at China Lake (de vuelta de nuevo a esta reflexión).
Con bastante retraso, pero es casi obligatorio referir la muerte de Ornette Coleman. Se ha producido este 11 de junio de 2015 a causa de un fallo cardiaco.
Cuentan que cuando oyó por primera vez un saxofón se enamoró del instrumento y que su madre le dijo que trabajara para comprar uno. Y así se hizo limpiabotas para ahorrar para su primer saxofón, que le costó tres o cuatro años de ahorros.
Saxofonista alto y compositor, ocasional trompetista y violinista, su creatividad le llevó a desarrollar dentro del jazz el movimiento musical que se conoce como Free Jazz. Aunque el nacimiento del Free Jazz se fija en la edición del disco Free Jazz: A Collective Improvisation que fue publicado en 1961, ya el disco The Shape of Jazz to Come apuntaba claramente en esa dirección.
Coleman mantuvo una vida personal discreta. Se casó en 1954 con la poestisa y activista Jayne Cortez, divorciándose 10 años después. Con ella tuvo un hijo en 1956, Denardo Coleman, que se hizo percusionista y desarrolló su propia carrera musical, tocando con su padre, con su madre y la banda de ésta (The Firespitters), con Pat Metheny... Mantuvo su actividad hasta hace poco tiempo, apareciendo por ejemplo en un concierto homenaja llamado Celebrate Ornette, que se publicará este año. Y como persona discreta Coleman ha muerto discretamente.
Y nuestro pequeño homenaje, con este enlace a Lonely Woman, quizá su pieza más conocida y que formó parte del famoso The Shape of Jazz to Come.
Odio llenar este blog de obituarios. Y odio ser uno más de los que comentan noticias musicales ya trilladas por los garndes medios. Pero B. B. King merece este reconocimiento.
A B. B. King se lo han llevado por delante las complicaciones asociadas a la diabetes (como a Frankie Knuckles) y aunque a los 89 años todo puede resultar mortal, uno no puede dejar de recordar lo que se dice sobre la salud en EEUU. Son extraordinarios con los problemas agudos pero no se manejan tan bien con los problemas crónicos.
Sólo para hacernos una idea de su importancia recojo los titulares de:
Nacido en una plantación de Mississippi en 1925, Riley Ben King fue criado por su abuela, cantó gospel y tuvo su primera guitarra a los 12 años. Trabajó en el campo y se inició en el mundo de la música profesional con Bukka White, quién era primo de su abuela. Hizo pequeños conciertos y trabajó en la emisora radiofónica WDIA de Memphis, que emitía música de artistas de color. Allí ganó el apodo de B. B: King pues se le conocía como Blues Boy King. Allí también conoció a T-Bone Walker, este encuentró le impulsó a hacerse con una guitarra eléctrica.
A principios de los años 50 grabó varios discos con Sam Philips quién más tarde fundaría el sello Sun Records. Tuvo bastante éxito, pero un importante empujón se lo dio Frank Sinatra, a quién King admiraba profundamente. Sinatra le abrió las puertas de Las Vegas (Sinatra abrió las puertas a muchos artistas negros a lo largo de su vida). Otro importante impulso se debió a la entrada de artistas blancos que tocaban blues (como Eric Clapton) o se inspiraban en este estilo (como los Rolling Stones)
Con su estilo hizo evolucionar al blues desde sus raíces más clásicas, impulsándo la guitarra a un papel protagonista y desarrollando un tono más ligero y pegadizo. Su trabajo influyó al mismo tiempo en otros géneros musicales y en muchos artistas. Fue la admiración de los Rolling Stones lo que les empujó a llevarlo con ellos de gira (otro gran impulso para su carrera). Era famoso por su mala salud y por su profesionalidad, y ambas le acompañaron a los escenarios. Activo casi hasta el final de su vida, en su página web oficial nos tenía al día de como se encontraba.
Entre sus premios hay que resaltar que recibió 15 Grammys. No está mal para un hombre que salió de una plantación de algodón en la época del segregacionismo, pero que llegaría a tocar en la Casa Blanca o en el Vaticano. Parece contradictotio que un hombre de extracción social tan pobre tuviera tanta simpatía por la familia Bush, aunque no es un caso único, Louis Armstrong era un reconocido republicano.
Quizá por las carecias de su infancia era hombre conocido por sus excesos, jugador, glotón y mujeriego. Sobre las mujeres hay que decir que se caso dos veces, la primera vez muy joven. Comentaba a Rolling Stone en 1998 (On the Bus With B.B. King) que siempre había buscado el amor, que desde la infancia no había creído que alguien le quisisrea de verdad, que le costaba abrirse y buscaba a alguien que le ayudara. Y en esa búsqueda llegó a 15 hijos con distintas mujeres. era tal su afición que algún músico comentaba que era imposible hablar con él sobre música, que sólo le interesaba hablar de mujeres jóvenes.
Pero sus carencias de juventud también le hicieron tenaz y trabajador, una persona que aspiraba a ser no sólo más sino mejor. Si en la música buscaba y se inspiraba constantemente, en otros aspectos de la vida también. Por ejemplo, como había dejado los estudios muy joven, dedicaba mucho esfuerzo hasta muy avanzada edad a estudiar matemáticas e idiomas. Otro detalle intersante sobre su actituda hacia el trabajo es que en 1956 llegó a dar 342 conciertos, en 1989 (con 64 años) dio 300 y pasados los 80 decidió bajar el ritmo y sólo daba unos 100 anuales.
Además de bluesman, trabajó en el campo y fue DJ como hemos comentado. En las fases tardías de su carrera hizo apariciones en diversos shows de televisión (Barrio Sésamo, el Show de Bill Cosby, el Príncipe de Bel Air...) e incluso anunció un dispositivo para medir la glucosa. Además era dueño de una cadena de restaurantes temáticos, B. B. King Blues Club. En ellos han actuado artistas de renombre y muchos grupos del tipo "homenaje a...". Del local de Nueva York el periodista Robert Baird opina que "tiene las comidas y bebidas más caras de Times Square"
Aunque tuvo infinidad de guitarras de distintas marcas, sus favoritas eran las Gibson, concretamente la guitarra eléctrica Gibson ES-355, con la que mantuvo una relación desde 1959. A principios de los años 80 Gibson desarrolló un modelo ES-355 personalizado para King, y en el que entre otras cosas se eliminaban los orificios acústicos (también conocidos como f-holes) de la caja de resonancia para disminuir la realimentación (el feed-back).
Colaboró con infinidad de nombres del universo musical, casi imposible nombrarlos a todos, pero sin discriminar el rock, el blues o el pop. Entre otros citaremos a Gary Moore, Raimundo Amador, U2, Gloria Estefan, Eric Clapton, Norberto Napolitano, Ray Charles, Stevie Wonder, Pavarotti, George Benson, Elton John, Sheryl Crow, Glenn Frey o Van Morrison. Con algunos haría giras, como la que hizo con Raimundo Amador en 2004.
Aquí con el fallecido Gary Moore.
Y aquí en un Jazzaldia en Donostia con Raimundo Amador.
Al documentar su vida he descubierto una película documental de 2012 titulada B.B. King: The Life of Riley. Es un trabajo de Jon Brewer, director y productor que se ha especializado documentales sobre figuras del mundo de la música. Enlazamos el trailer.
Y mejor cerrar con una curiosidad- Esta es la anécdota, diveryida si no fuera bastante terrible, en la que se origina que todas sus guitarras se han llamado Lucille. En 1949 durante un concierto en Twist, Arkansas, dos hombres comenzaron a pelear. Derribaron una estufa hecha con un barril lleno de queroseno, y provocaron un incendio. Tras evacuar el local King se dio cuenta de que su guitarra acústica Gibson L-30 se había quedado dentro y volvió enre las llamas para recuperarla. Tras el incendio, que dejó dos muertos, le comentaron que la pelea se había producido por una mujer llamada Lucille. Y así compuso un tema llamado Lucille para recordar que no hay que hacer cosas estúpidas como pelear por una mujer o entrar en un edifico en llamas. Y aquí el tema para que lo disfrutéis:
Aquí está, una Gibson L-30, similar a la que casi le cuesta la vida a King.
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Michael Fremer publica en Analog Planet la triste noticia del fallecmiento de Doug Sax. Sax era un mínico ingeniero de sonido (tanto como para tener su propia entrada en Wikipedia), famoso por sus másteres, por sus cortes en vinilo, por su dedicación a la música y por haber puesto en marcha el primer servicio de masterizado independiente, The Mastering Lab.
Tuvo una carrera de trompetista sinfónico, pero estaba interesado por el sonido y la grabación, e insatisfecho con los resultados de los estudios existentes. Lincoln Mayorga, a quién había conocido en la orquesta de la Bancroft Junior High School, estaba también insatisfecho con el sonido de las grabaciones, especialmente con el piano. Estaban sorprendidos de que los discos de 78 rpm sonaran más musicales y realistas que los discos de la época. Como Mayorga estaba trabajando de arreglista y músico de estudio para Capitol conocía los estudios de la zona. Así que en 1959 acudieron al estudio Electrovox, que era Bert Gottschalk y su hijo Allen. Allí preguntaron si aún tenían líneas directas desde la consola de control a la de corte, sin pasar por la cinta magnética, como cuando se grababan 78 rpm antes de la existencia de las grabadoras. El resultado, utilizando equipos anticuados, les llevó a planterase la idea de un cambio de estrategia de masterizado y de grabación. Varios intentos realizados en los estudios existentes dieron resultados de calidad poco satisfactoria y esto les llevó a dar el siguiente paso.
A finales de 1967 fundó The Mastering Lab junto con Mayorga y con Sherwood, el hermano mayor de Sax. Sherwood es ingeniero y ha desarrollado buena parte del material utilizado por The Mastering Lab. Casi inmediatamente, en 1968 fundó Sheffield Lab, también junto a Mayorga, empezando a grabar directo a disco (sin pasar por cinta magnética), siendo el primero el titulado Lincoln Mayorga and Distinguished Colleagues. Sheffield Lab se convertía así en pionera de esta complicada técnica de grabación, incluso hay quién dice que fueron quienes lanzaron la industria de las casas discográficas centradas en los audiófilos.
Sheffield tuvo algunos discos muy valorados. Recientemente su disco Lincoln Mayorga and Distinguished Colleagues ha sido recogido por la Biblioteca del Congreso de EEUU como parta de su National Recording Registry. Entre los artistas con los que ha colaborado están Al Jarreau, Bob Dylan, Kenny Rogers, Neil Diamond, Paul McCartney, Bette Midler, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Pink Floyd, Frank Zappa, The Doors, The Who, The Rolling Stones, Diana Krall, The Eagles y una lista interminable de artistas más y menos conocidos. Allmusic recoge sus trabajos aquí, Doug Sax-Credits. Recibió en Technical Grammy Award de 2004 y otros 3 premios Grammy en 2005 por Genius Loves Company, el disco póstumo de Ray Charles.
Partidario de las electrónicas de válvulas, muy crítico con la forma que habían tomado las tecnologías digitales, como en su momento lo era de las técnicas de grabación de los años 50 y 60, podemos leer algunas de sus opiniones en las siguientes entrevistas:
- En la web de Bobby Owsinski, en un extracto de su libro The Mastering Engineer's Handbook, entrevista a Sax en este extracto, Mastering Engineer Doug Sax. Una frase que impresiona es cuando dice que si no tiene claro como tiene que sonar un proyecto prefiere pasar. Rechazar un trabajo por este motivo me parece una muestra de honestidad increíble.
Ya que hemos nombrado a Lincoln Mayorga, hay que decir que fue músico de estudio trabajando con personajes de la talla de Frank Zappa, Barbra Streisand, Mel Torme, Andy Williams o Sam Cooke. Además ha desarrollado una carrera en solitario como pianista, con algunos discos bastante aceptados. Por ejemplo tenemos Growing Up in Hollywood Town o West of Oz, ambos con Amanda McBroom. Actualmente actúa como concertista de piano.
Para quién quiera conocer mejor The Mastering Lab:
Otro gran nombre que se suma al panteón de los mitos de la industria de la alta fidelidad. Nos deja otro de los "padres fundadores" de este sector, a medio camino entre el arte y el entretenimiento. Joe Grado ha fallecido a la tierna edad de 90 años.
Nacido en 1924, dejó sus estudios de relojería a los 16 años para trabajar como relojero para Tiffany & Co. (sí, los de Desayuno con diamantes). También impartiría clases de relojería algunas noches para ganar un dinero extra. Enseguida pasó al mundo del audio de la mano del también mítico Saul Marantz. A principios de los 50 inventó la cápsula de bobina móvil estereofónica (o al menos se le reconoce oficialmente como inventor de este tipo de cápsula, cuya patente se le otorgaría en 1959). Comenzó a fabricarlas en la mesa de la cocina de su casa en 1953, fundando Grado Labs. En 1955 la trasladaría al edificio donde su padre había tenido una tienda de alimentos, la Grade Fruit Shop. Pero Grado no se haría famoso por sus cápsulas de bobina móvil sino por sus cápsulas "moving iron" (cuyo mecanismo de funcionamiento nunca he logrado comprender).
A lo largo de los años fabricaría cápsulas fonocaptoras, altavoces, tocadiscos y un brazo de madera muy aclamado, aunque en 1963 cesó la producción de todas las líneas de producto salvo las cápsulas. En 1984 diseñó y fabricó el brazo Joseph Grado Signature. Pero la única línea de productos que ha permanecido en el catálogo de la compañía a lo largo de estos más de 60 años de historia han sido las cápsulas fonocaptoras, como podemos ver en este enlace. A mediados de los 80 Grado llegaba a fabricar 10.000 unidades por semana. En 1982 Grado fue reconocido en el Audio Hall of Fame.
Con el ascenso del CD las ventas de cápsulas se redujeron y Grado debia encontrar otra línea de producto. Como experto en mecanica de precisión y maestro de los transductores electromecánicos, una de las opciones evidentes eran los auriculares. A finales de los 80 Grado diseñó sus primeros auriculares. En 1990 la empresa pasó a manos de su sobrino, John Grado, que llevaba desde joven formándose y trabajando en ella. Los auriculares pasaron a ser el producto principal de Grado, salvando la viabilidad de ésta como empresa. Uno de los productos que no ha llegado a ver la luz son los Grado Towers, altavoces realizados con diafragmas de auriculares (32 diafragmas mde RS-1 por canal) en una estructira de madera de 6 pies de altura (algo menos de dos metros)
Joe Grado grado fue muy prolífico, llegando a registrar 48 patentes. Aún hace solamente 4 ó 5 años desarrolló unos micrófonos profesionales muy reconocidos, creando la empresa Joseph Grado Signature Products. Era el último transductor electromecánico que le faltaba, tras pasar por las cápsulas, los altavoces y los auriculares. La propia IEEE en su IEEE Global History Network le dedica una entrada Joseph Grado Biography.
Personaje activo, inventor, ingeniero y artista, además de la pasión que manifestaba por la alta fidelidad, era aficionado a pintar y a cantar. Llegó a debutar como tenor en 1981 en el Lincoln Center de Nueva York. No lo hizo tan mal y la crítica (Music: Debuts in Review; Joseph Grado, Tenor, In All-Italian Program) del New York Times diría "There was a grace and delicacy in the quieter moments of Mr. Grado's
singing and an attractive richness when he ventured to sing out".
La empresa sigue siendo un negocio familar, atendido por la tercera generación de la familia Grado. Su sede sigue aún en el mismo discreto edificio de tres plantas de la Séptima Avenida en Brooklyn, aunque actualmente no todos los productos de Grado son fabricados allí. La familia ha escrito una entrada en el Blog de Grado Labs, "The Grado family holds Uncle Joe in the highest regard, and without
him, not only would we still be working in a fruit store, but we would
have never started making headphones." Han escrito también una entrada en la página de Facebook de Grado Labs.
Harry Pearson ha fallecido el 4 de noviembre de 2014. Uno de los personajes que ayudó a crear el periodismo de audio moderno, y sus análisis se basaba más en en cómo sonaban los componentes antes que en las medidas que daban. Fundador de The Absolute Sound, medio que dejó en 2012, colaboraba en la actualidad en The High Fidelity Report. Daba primacía a los conciertos de música clásica como referencia de sonido y tenía experiencia en la grabación en directo. Fue mentor o amiogo de todos los grandes nombres del periodismo de este sector. Quizá sólo se le puedan reprochar dos cosas. HP no consideraba otra música que la clásica en su búsqueda del sonido "real". Y también mostraba cierta arrogancia que ejemplifica la anécdota de un periodisita, Jonathan Valin, que más tarde colaboraría con él. A raíz de un libro de Valin sobre las granaciones de RCA, HP le llamó. Éste, impresionado, le respondió "Siento que estoy hablando con Dios" a lo que HP respondió "No, Dios está hablando contigo".
A veces temo que este blog se convierta en un museo lleno de cadáveres de músicos y otrospersonajes relacionados con la música. Pero no puedo dejar de reflejar algunos nombres que nos han dejado en tan poco tiempo.
El más reciente ha sido Johnny Winter, el "albino eléctrico". Guitarrista, cantante y productor (por ejemplo de varios exitosos discos de Muddy Waters) y figura del blues eléctrico que ha muerto a los 70 años en un hotel de Zúrich dos días después de un concierto en Francia. Tenía una muy extensa discografía y aún más discos piratas (hay quién habla de un 85%). Hombre de vida turbulenta, el artista de Texas había participado recientemente en un documental sobre su vida Johnny Winter: Down & Dirty donde recordará su debut “Cuando tenía 15 años grabé mi primer disco, di mi primer concierto, me fumé mi primer cigarrillo, me emborraché por primera vez y me acosté con mi primera novia. Fue un gran año”. Este setiembre sale su último disco, lleno de colaboraciones, que se llamará Step Back.
Charlie Haden, 76, extraordinario contrabajista, respetado y admirado por todos los que tocaron con él. Inició su carrera musical como cantante con la Haden Family Band pero hubo de dejarlo por una poliomielitis que dañó sus cuerdas vocales y le acompañó toda su vida, pero que lo llevó a ser el genio del contrabajo que conocemos. Uno de sus últimos trabajos fue la banda sonora de la película de David Trueba Vivir es fácil con los ojos cerrados, junto con Pat Metheny (Trueba se sintió inspirado por Beyond the Missouri Sky de Metheny y Haden). Este año había sacado junto a Keith Jarrett un disco llamado, casi premonitoriamente, Last Dance. Un disco que me encanta es Sophisticated Ladies, quizá por ser de lo más comercial de Haden aunque no deja de ser elegante.
Jimmy Scott, el vocalista de la voz peculiar, una persona que supo sacar partido de una enfermedad que le dejó con tono casi infantil, el síndrome de Kallman. De hecho la primera vez que escuché una grabación suya pensé que se trataba de una mujer. Sufrió mucho por su pequeña estatura, su complexión delgada y su voz. Tuvo un resurgir de su carrera a partir de 1991, al cantar en el funeral de su amigo Doc Pomus, lanzando en 1992 el disco "All the way". Falleció en junio con 88 años.
Horace Silver, pianista y compositor estadounidense, el "cocinero del jazz". Amparado por Stan Getz, tuvo una larga relación con Blue Note, que concluyó en 1980. 4 de sus álbumes con Blue Note fueron incluidos en la lista "100 essential jazz albums" que hizo la casa discográfica para celebrar su 75 aniversario._Silver. Ayudó a lanzar a músicos como los saxofonistas Hank Mobley y Joe Henderson o los trompetistas Blue Mitchell y Woody Shaw . Su biografía, publicada en 2006, se tituló "Let´s go to the nitty gritty". Falleció en junio a los 85 años.
Tommy Ramone era el último de los Ramones originales. Nacido en Budapest, Hungría. Baterista, tocó en los tres primeros discos de la banda, siendo sustituido por Marky Ramone en 1978. Participó en la producción de los 4 primeros discos así como en el octavo. Dedicó su carrera fundamentalmente a la producción, colaborando por ejemplo con los Talking Heads. Falleció en julio con 65 años. Como comentario lateral, deciros que Marky Ramone tiene una banda, Marky Ramone's Blitzkierg, junto con el cantante de The Misfits, Michale Graves. Tocaron en la Plaza de los Fueros de Pamplona durante las fiestas de San Fermín de 2014 y que el grupo es cañero y muy divertido.
Ha fallecido con sólo 70 años. Parece ser que luchaba hace ya años contra un cáncer de colon y padecía los primeros signos del Alzheimer. A pesar de esto había lanzado un disco recientemente (The Bravest Man in the Universe en 2012), tenía una gira de conciertos prevista para todo el verano y un disco en el horno (The Best Is Yet To Come) con la participación de Rod Stewart, Stevie Wonder, Snoop Dog o Ron Isley.
En los inicios de su carrera formó The Valentinos (conocido inicialmente como los Womack Brothers) junto con su hermano y bajo el patronazgo de Sam Cooke. El grupo se disolvió a la muerte de Cooke. Bobby se casó con la viuda de Sam Cooke, Barbara, sólo tres meses después de la muerte de éste, provocando un gran escándalo. Se rumorea que también tenía un affaire con Linda, la hija de Sam y Barbara, siendo ella una adolescente. Esto provocó la ruptura del matrimonio en 1970. Curiosamente, el hermano menos reconocido (Cecil) se casó con Linda, formando con ella el dúo Womack & Womack).
Aunque Bobby Womack era un artista por derecho propio, la mayor parte de su carrera la desarrolló en colaboración con otros. Entre los nombres con los que colaboró están Los Rolling Stones, Aretha Franklin, Sly Stone, Wilson Pickett... Y muy recientemente con Gorillaz en el disco Plastic Beach.
Un detalle curioso más, que imagino explica parte de su éxito con las mujeres, hace un año la revista Singersroom lo calificaba como uno de los cantantes varones mejor vestidos del Rythm and Blues, Best Dressed Male R&B Legends
Aquí dejamos alguno de sus éxitos.
La siguiente la conoceréis bien los que hayáis visto Jackie Brown (en mi opinión una de las mejores películas de Quentin Tarantino) y diría que es un soul realmente puro:
Ya sabéis lo que toca ahora. Es momento de homenajes, de reediciones, de ediciones limitadas y coleccionables y sobre todo es momento de comprar vinilos.
ACTUALIZADO 1 de julio de 2014
Aquí el homenaje que le hace Stereophile de la mano de Robert Baird, Bobby Womack . Una lectura que merece la pena, entre otras cosas por las recomendaciones musicales.
No nos extenderemos en comentar la carrera de este artista, genio, y padre de lo "robo-orgánico" (o "bio-mecánico") que se lanzó al gran públicio a través de Alien, el octavo pasajero. Fue muy controvertido por obras como el póster "Penis Landscape" para el disco de The Dead Kennedys llamado Frankenchrist. Falleció este 12 de mayo de 2014 a la relativamente temprana edad de 74 años tras sufrir una caída en las escaleras de su casa.
El día 31 de marzo falleció Frankie Knuckles, el "padrino" del House, sólo tenía 59 años y parece increíble que muriera de complicaciones derivadas de su diabetes. Aunque está algo fuera del ámbito de este blog, Knuckles era un destacado miembro de la cultura DJ y del mundo de los clubs. Fue está cultura la que contribuyó a mantener vivo el vinilo durante la dos décadas más sombrías de su existencia, y por ello pienso que merece un pequeño homenaje desde aquí.
Para quién no lo sepa el house es un estilo de música de baile caracterizado por la importancia del ritmo frente a la melodía y a la canción, por la repetición hipnótica de los ritmos que componen el tema, por el uso del compás 4/4, por tener un golpe de bombo en cada compás, y por un uso intensivo de percusión y ritmos sintetizados y con frecuencia fragmentos (sampleos) de otro temas, a veces rescatados del Soul y R&B.
Nacido en Nueva York, inicialmente pinchaba Soul, R&B y Disco. Se trasladó a Chicago a finales de los años 70, para pinchar en el Warehouse, local del que, según la versión más aceptada, el House obtiene su nombre, por la música que se pone en el House (abreviatura que se usaba para hablar del Warehouse) Tras dejar el Warehouse Knuckles tuvo su propio club, el Power Plant, cerrado en 1987. Tras dicho cierre tabajó en diversos clubs, Delirium entre otros, volvió a Nueva York ocasionalmente trabajando en The Sound Factory y publicó y produjo diversos discos de remezclas.
Aquí su tema "Your Love", que aún se pincha con más de 20 años de existencia:
Ken Shindo era un personaje muy interesante, que había sido diseñador para Matsushita antes de instalarse por su cuenta en el año 1977. Apasionado analógico con sus propios diseños, es merecidamente conocido por sus electrónicas de válvulas. Su secreto era diseñar sus electrónicas alrededor de su colección de válvulas NOS (New Old Stock) y otros componentes antiguos (por ejemplo los condensadores que atesoraba). Su estrategia de diseño consistía en adaptar su electrónica a las características de válvulas concretas y no desarrollar una electrónica para una idea genérica de válvula (aún se fabrican muchas 300B en distintos sitios y con distintas características y calidades, además de los stocks NOS que existen). Esto le permitía extraer el máximo jugo a cada válvula, a diferencia de la mayoría de los diseños que tienden a desarrollar con para el denominador común de un modelo de válvula pero que no sacan el máximo de ninguna. Pero esto también implicaba series cortas de amplificadores y un catálogo muy amplio de modelos parecidos pero con componentes distintos. El remate es un estilismo retro y la librea verde de sus equipos.
En los últimos tiempos alguna normativa le impedía distribuir sus productos en Europa debido al uso de condensadores antiguos que no cumplen con las nuevas normas ROHS. Pero a pesar de esto sus productos tenían mucho éxito y estaba en plena expansión, con una gama de altavoce, un admirado plato bastado en el Garrard 301 y el brazo Mersault (lástima de la web actualizada hace año y medio)
La empresa parece tener el garantizado futuro a corto plazo pues será Pero un proyecto tan personal tiene malas perspectivas a pocos años vista, pues el desarrollo dependía de modo fundacional de una visión realmente particular que desaparece con el fallecimiento del Sr. Shindo. Aunque quizá alguno de sus empleados o familiares comparta esa tan personal idea del diseño, tan aparentemente contraria al sentido común y a la ingeniería tradicional.
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